Storyboard 2

1º imagen:  Los personajes que se sitúan en el medio del plano, donde les hacen ser más importante y destacado, aparecen desde rodilla hacia arriba, por lo tanto es un plano americano. Sin embargo hay una mezcla con el plano dorsal por los personajes que se sitúan a la izquierda y a la derecha, quienes están de espalda, hace que nosotros, como públicos, incluyen en el plano. El ángulo del plano está levemente picado, y su movimiento es panorámico horizontal, por lo tanto es PAN.

2º imagen: La composición de los dos personajes hace que el plano se divida en dos mitades, aunque el que está a la izquierda forma parte del fondo, ya que la cámara sólo enfoca al que está a la derecha. Es un primer plano, ángulo normal.

3º imagen: La cámara vuelve hacia el hombre y la mujer, plano medio, con una agunlación normal. En este caso, el que más destaca y más importancia lleva es el hombre. Ya que se sitúa en el medio del plano, y la mirada de otros personajes nos lleva hacia él.

4º imagen: En este caso, es similar a la segunda imagen, ambos cortan el plano en dos. Estos dos personajes que están enfocados por la cámara dividen el plano. Aunque el que toma más importancia es el que está a la izquierda, ya que está más centrado. Se trata de un plano medio corto y angulación normal.

5º imagen:  Es un plano general, con agunlacion picado. Tiene un movimiento panorámica. 

6º imagen: Es un gran plano general, ya que se trata de un paisaje amplio, donde podemos observar hasta las montañas que hay a lo lejos. Su angulación es normal.

7º imagen: En este plano, la mujer y la niña que se sitúan a la derecha son más destacadas, ya que se sitúan más cerca de la cámara, por lo tanto se trata de un plano medio. Ángulo normal y travelling retro (zoom). 

8º imagen: Es un primer plano con un ángulo normal.

9º imagen: Es un primer plano. Está relacionada con el plano octavo, ya que la mirada de la mujer(8ºimagen) y el detalle del giro de la cabeza hacia atrás, la mirada del hombre, nos hace entender que se están comunicando, en este caso con la mirada.

10º imagen: La cámara enfoca al hombre, hace que el resto de los personajes formen parte del fondo. Es un plano medio corto  con un ángulo normal.

Sonido:

1- Sonido diegético: Se escucha voces de los personajes secundarios, habla personajes que están de espalda. 

2- Sonido diegético: Habla el personaje más destacado del imagen. 

3- Sonido diegético: Diálogo entre el mismo personaje y el hombre que está de espalda. 

4- Sonido diegético: Siguen hablando entre ellos mientras caminan. 

5- Sonido diegético: Siguen conversando, sonidos de los pasos al caminar. 

Sonido extradiegético: Empieza a sonar música de la época, situando al público el tiempo que se sitúa. 

6- Sonido extradiegético: La música sigue soñando. 

7- Sonido extradiegético: La música se disminuye en función de la tensión para el momento. 

Sonido diegético: Se escucha murmullos de las personas. 

8- Sonido diegético: Los murmullos se disminuye, queda el silencio, creando tensión. 

9- Sonido diegético: Silencio, creando tensión

10- Sonido extradiegético: Al sacar la espalda, la música sube. 

(Junto a la música) sonido diegético: El sonido de la espada, el murmullo u algunos gritos de algunos personajes que se sitúan en el Fondo. El personaje más destacado habla. 

Toc-toc-toc

Toc-toc-toc.

Corto realizado por:

Ariadna D’Onofrio 2ºB

Ernesto García 2ºA

Clara Guinart 2ºB

Chen Zheng 2ºB

Lucía Salgado 2ºA

Memento Mori

Memento Mori.

Corto realizado por:

Ariadna D’Onofrio 2ºB

Ernesto García 2ºA

Clara Guinart 2ºB

Chen Zheng 2ºB

Lucía Salgado 2ºA

Agradecimientos:

Lara Soleto (exalumna de la Escuela de Arte)



Storyboard 1

Las descripciones de las viñetas del storyboard de la imagen anterior son:

- La primera viñeta se trata de una cámara general, que traza un zoom que lleva la cámara hacia la chica, mientras ella camina hacia delante. Se trata de una angulación normal y el sonido será diegético, el cual es un sonido exterior, puede ser escuchado por cualquier personaje. En este caso no habrá música, ni diálogo, simplemente se escuchará los pasos de la muchacha y el sonido del bosque. La composición de esta viñeta, coloca a la chica en el centro, la zona más llamativa, además de las líneas que forma el camino, hace que nuestras vistas llegue hasta el personaje.

-La segunda viñeta se trata de un plano medio corto, e igual que la viñeta anterior, tiene una angulación normal. Tiene un zoom que lleva la cámara aún más cerca de la muchacha, el sonido sigue siendo diegético, y su composición hace que la cámara enfoque del personaje, haciendo el fondo vea borroso.

-La tercera viñeta, el plano hace un corte y la cámara se enfoca en el folio que lleva la muchacha, se trata de un plano de detalle, ya que enseña al público qué es exactamente lo que la chica está leyendo. Su angulación cambia a un plano cenital. En este caso, no indica nada sobre el movimiento de cámara . El sonido seguirá siendo diegético como las viñetas anteriores. Y su composición hace que el plano esté ocupado totalmente por la carta y la parte de la mano, el fondo apenas se ve.

-La cuarta viñeta, corta el plano y la cámara se enfoca la cara de la chica, se trata de un primer plano, aunque esta viñeta está muy unida a la quinta, se podría decir también como plano detalle, ya que enseña al público la reacción de la niña tras leer la carta que lleva en la mano. Su agunlación es un plano normal, y según la flecha de la viñeta, lleva un pequeño zoom hacia la muchacha. El sonido puede seguir siendo como las viñetas anteriores, o empezar un sonido extradiegético, es decir una música que comienza a meterse en el plano poco a poco. Y su composición es enfocar al personaje y hacer que el fondo se vea borroso.

-La quinta viñeta es exactamente igual que la cuarta, su diferencia sólo está en los ojos de la muchacha. Pero la música (el sonido extradiegético) empieza a aumentar.

-La sexta viñeta, corta el plano y lleva la cámara hacia sus manos, que están rompiendo el folio, un plano detalle. La agunlación sigue siendo normal y según la flecha de la viñeta, el personaje debe mover la mano de una forma determinada para romper el papel, moviendolas hacia arriba y abajo, además, estas manos deben moverse entre ellos del sentido contrario. No hay movimiento de cámara y el sonido extradiegético aumenta al máximo. La composición de la viñeta hace que el personaje esté en el centro del plano, y hace que el fondo se ve borroso.

-La séptima viñeta, cambia de plano, y enfoca en un primer plano. Su agunlación es normal, y tiene un zoom que aleja la cámara de la chica. Empieza a bajar la música. Según la viñeta el personaje debe tirar los folios hacia arriba. El personaje sigue situando en el centro del plano, como las viñetas anteriores.

La octava viñeta, la cámara se aleja totalmente de la muchacha, en este caso se trata de un plano medio. La angulación sigue siendo normal, el zoom hace que la cámara sigue alejando del personaje. Y la música va terminando y bajando hasta que se queda totalmente silencioso. El personaje sigue estando en el centro de la viñeta, pero a diferencia de otras, el fondo ya no es borroso. La muchacha resalta más en el plano, por la iluminación y el color que tiene.

The Drunken Concubine (新贵妃醉酒). Li Yugang(李玉刚）

Li Yugang （李玉刚）es un cantante, cantante de ópera  y actor profesional chino, 23 de julio de 1978 en Gongzhuling (吉林省公主岭)，actualmente tien 41 años. Su música se especializa en la fusión de la ópera (Bekín) y el estilo pop, sus temas más famosas son The drunken Concubine (新贵妃醉酒), Daiyu Buries Fallen Flowers (黛玉葬花), entre otros.

La madre de Li Yuganga, desde joven, amaba la ópera del local donde vivían. Debido a la influencia de su familia, él mostró su fuerte talento artístico en la ópera. En 1996, a causa de la situación económica de la familia, Li Yugang no pudo ingresar al departamento de drama de la Academia Provincial de Artes de Jiling. Por lo que se fue a Changchun para ganarse la vida. Después en 1998 se fue a Xi An, y se hizo famoso localmente jugando dos papeles en la escena de la ópera, hombre y mujer. Más tarde, encontró accidentalmente con el arte masculino Dan (por lo que antiguamente no permitía el acto de las mujeres en la ópera, se creó el arte masculino que actuaba y cantaba de mujer) en la Ópera de Pekín y se interesó por él.

Su fama llegó tras quedar en el tercer lugar en un programa de la televisión más famosa del 2006, llamado “Bulevar Star”(星光大道).

The Drunken Concubine es una canción escrita por Hu Li（胡力）en 2001, pero no encontraba la persona adecuada para cantarlo, ya que mezclaba la ópera, música clásica y el pop. Finalmente, tras la fama de Li en 2006, Hu Li le dió la canción tras ver su acto en el programa. En 2009 se unió a la Ópera y Ballet Company de China. 

Usa letras con profundas connotaciones culturales clásicas chinas y melodía de la música pop moderna. Las técnicas de canto y el arreglo de la melodía logran la combinación perfecta de un fondo nostálgico y ritmos modernos, creando así una atmósfera sutil, melancólica, elegante y vivaz. Usan instrumentos musicales chino traicionarles como erhu, guzheng, xiao(un estilo de flauta), pipa, etc. El canto es un poco complicado, ya que canta doble voz en solo una canción, de hombre y mujer.

El tema usa poemas o leyendas antiguas chinas. Habla de un amor no pertenecido, en la verdadera Ópera China se basa en la historia de una de las concubinas del Emperador, Concubina Yang (杨贵妃), quien era el más adorado por el Emperador. Una noche, había quedado con él en el jardín, pero este no apareció, pronto Concubina Yang se enteró de que el Emperador en realidad se fue al palacio de la otra concubina. Ella dolorosa, empieza a beber y termina borracha.

Esta canción narra de una manera sencilla, mezclando lo culto y lo popular, llevando así como la Ópera China a dar conocer a más gentes, sobre todo a los jóvenes y adolescentes. Crea una nueva manera de apreciar una de las culturas china.

El videoclip ,en general narra su esfuerzo desde pequeño por convertir en un actor y cantante de la ópera profesional. No narra la historia o el tema de la canción.

Aun así ,combinan la cultura de la ópera china, que sería los trajes antiguos especializados para la ópera que podemos ver en el vídeo, y lo moderno, que sale reflejado en Li Yugang también en algunas escenas con trajes.

Ju Hao(句号) G.E.M

G.E.M 邓紫棋（Deng Zi Qi), es una actriz, cantante y compositora de música. Nació el 16 de agosto de 19991 en Shanghai. A los cuatro años se mudó a Hong Kong. Crió en una familia de músicos: su madre graduó del Conservatorio de Música de Shanghai, su abuela enseña música, su tío tocaba violín y su abuelo toca el saxofón en una orquesta.

Comenzó a dedicarse a la música a los cinco años, a los diez años componía su propia música y participaba en varios competiciones y con trece años llegó al 8º grado del piano.

Continuó con su educación en la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong y a los dieciséis años se convirtió en una cantante profesional.

句号（Ju Hao) publicada el día 22  de noviembre de 2019 como canción principal para su séptimo álbum.

El título de la canción 句号(Ju Hao) traducido al español, significa “punto y final”. Aunque realmente en chino, no se diferencia entre “punto” y “punto final”.

Es su primera composición después de terminar el contrato con su empresa y  convertirse en autónoma. En ella, al principio narra su agradecimiento por confiar en ella, pero también, que es lo más importante, cómo había sido tratado injustamente durante los doce años en la compañía. Como se puede reflejar en la letra de esta misma canción:

“回到十二年前 回忆就在眼前” “Volver doce años atrás, los recuerdos sigue frescos”

“你带着帽子 而我样子 带着腼腆” “Tú llevabas sombrero y yo era tímida”

“不过第一次的见面 你说” “No era nada más que nos vimos por primera vez, tu decías”

“你有先见 我的先天 被训练过 我能有片天” “Con tu percepción y mi talento, en poco tiempo, las

                                                                              cosas conseguían”

“我当时天真 寡见鲜闻” “Yo era ingenua, ignorante e inocente”

“不像成年人 有能力辨认” “No podía discernir como un adulto”

“不是为了赚了有钱分 我为我的前程” “No lo hice por fortuna, pero lo hice por mi futuro”

“希望我写的歌里面有更好的和弦声” “Quería que mis canciones tuviera mejor armonía” 

“时针滴滴答 你还记得吗” “El reloj suena tick tack, todavía lo recuerdas ?”

“说句心里话 你还怀念吗” “Sé honesto, aún extrañas esos momentos ?”

“第一次发唱片 就一马当先” “La primera vez que lancé mi álbum, ya estaba liderando las listas”

“从此在大场面 我不站在旁边” “Desde entonces, en grandes escenas ya no tengo que estar a la

                                                        esquina”

“我是真得感谢 佩服你的眼界” “Te agradezco de corazón, admiro tu previsión”

“怎么想到和你是带着刺痛地完结” “Nunca había esperado que íbamos a terminar de esta manera”

(...)

“你说我是个商品 没有你就不可以”  “Dices que sólo soy un producto, sin ti no había sido nada”

“这些扭曲的真理 差点毁掉我的自行” “Estas verdades torcidas, casi arruinan mi autoconfianza”

“如今的我已觉醒 如今我不再哭泣” “Estoy ya despierta ahora, ya no lloraré más”

“再不怕坚持自己 做你没做对的决定” “Ya no tengo miedo de defenderme, de corregir los errores

                                                                  que has cometido”

Estas dos primeras estrofas son las únicas que habla sobre su agradeciendo.

G.E.M creó esta canción dando un punto y final a su pasado, tal y como el título de esta, y empezar una nueva historia a partir de ahora.

El vídeoclip narra una pequeña historia entre un hombre y una niña, en él, el hombre se refleja a la empresa y la niña a G.E.M misma. 

Al principio el muñeco que llevaba ella era uno que le gustaba tal y como es, pero el hombre poco a poco lo decoró a su gusto, hasta que le puso cuerdas y convertirlo en una marioneta. Sin embargo, a ella no le gustaba nada, aprovechó que el hombre estaba descansando, cogió la muñeca y huyó. Finalmente aparece G.E.M delante de la niña y con sus propias manos destrozó los hilos que ataba al muñeco. Dando el sentido de que no quiere ser controlada nunca más. Ahora ella es libre.

Danny Elfmann

Danny Elfman nació en Los Ángeles, en el día 29 de mayo. Fue compositor, músico, cantautor y productor discográfico estadounidense. Es conocido principalmente por escribir música para las películas del director Tim Burton. A Danny Elfman siempre le ha gustado grandes orquestas junto a voces colares, tanto niños como adultos.

Desde su temprana edad estuvo aficionado con el cine. Sus padres le contrataron un profesor particular y le matricularon en un conservatorio de música, pero Danny dejó todo para aprender por su cuenta. Se unió posteriormente en al grupo teatral de su hermano The Mistyc Knight of Oingo Boingo como parte del coro, pero al final llegó a componer canciones y dirigirlo. 

Danny y su grupo compone la música para la película para su película  de su hermano Forbidden Zone 1980. Consigue cierta fama tras varios conciertos.

Tim Burton, en 1985, para hacer su primera película pide a Danny que compota una banda sonora. A partir de ese momento, ambos autores inician una larga amistad que darían lugar a una de las colaboraciones más largas, con la única excepción de Ed Wood compuesta por Howard Shore y Sweeney Tod compuesta por Stephen Sondheim.

Danny Elfman demuestra su trabajo adaptando a todos los estilos con obras de monstruos enamorados como Edward Scissorhands, personajes de cómic como Batman, Hulk, Spider-Man, Hombres de negro o Dick Tracy, mundos fantásticos como Razas de noche o El planeta de los simios, comedias como Mars Attack! y Scrooged, el mundo de los vivos mezclado con el de los muertos, como Beetlejuice y The Frighteners, y también al musical, con Corpse Bride y The Nightmare Before Christmas considerada por muchos como su obra maestra.

Para las series de televisión ha realizado los temas principales como Los Simpson, Historia de la cripta, Beetlejuice, Mujeres desesperadas y The Flash.

También han utilizado sus temas en las bandas sonoras de algunos videojuegos como Kingdom Hearts II y en todos los basados en Los Simpson (Road Rage, Hit and Run, etc.) Para videojuegos, ha compuesto temas principales como Fable y Fable II. La banda sonora de Edward Scissorhands se usó para el anuncio de la Lotería de Navidad de 2011.

Ha sido candidato de los Óscar en cuatro ocasiones por El indomable Will Hunting 1997, Hombres de negro 1997, Big Fish 2003 y Milk 2008, sin llegar a ganar finalmente el galardón en ninguna ocasión.

Batman, uno de sus mejores películas, ganó varias nominaciones  de Saturn, una de Globos de Oro y Óscar a la mejor dirección artística. La música es extradiegéstica, su utilidad es meter tensión al espectador hasta que aparece Batman de pie sobre el difícil. 

Publicidad social de choque. Trabajo dual (Chen y Laura)

Comedia dialogada: Luis García Berlanga.

   Luis García-Berlanga Martí fue un director de cine y guionista español, nació en Valencia el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles,

provincia de Valencia. Su abuelo, Fidel García Berlanga (1859-1914), era miembro activo del Partido Liberal de Sagasta, a finales del siglo XIX, llegando a ser diputado en Cortes en Madrid y presidente de la diputación de Valencia. Su padre, José García-Berlanga (1886-1952), comenzó también su militancia en el Partido Liberal, para luego pasar al partido de centro derecha de Lerroux, el Partido Radical, y más tarde afiliarse al partido de centro izquierda burgués de Martínez Barrio, Unión Republicana.Los orígenes de su madre, Amparo Martí, fueron mucho más humildes, ya que venía de una familia de emigrantes de Teruel que se establecieron en Valencia. Su tío materno, Luis Martí Alegre, llegó a ser presidente de la Caja de Ahorros de Valencia.

    

    Durante su juventud se unió a la División Azul para evitar represiones políticas por el cargo de gobernador civil que su padre había desempeñado en Valencia durante la República española. En 1990, el propio Luis reconoce que se alistó pues muchos de sus amigos eran miembros jóvenes destacados de FE de las JONS. Sobre su ideología azul en aquellos años son muchos los testimonos de divisionarios que compartieron con él las trincheras en Rusia, como, por ejemplo, José Luis Amador de los Ríos.

 
    De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde realizó sus primeros cortometrajes.

   
    Fue un gran aficionado al erotismo, recabando una enorme colección de material sobre el tema (principalmente literatura) y llegó a codirigir de 1979 a 2004 en Tusquets Editores una colección literaria de esta temática que otorgaba un premio, el Premio La Sonrisa Vertical, en el que era presidente del jurado.

   Se casó en 1954 con María Jesús Manrique de Aragón (n. 1921) y fueron padres de cuatro hijos: José Luis García-Berlanga Jorge Berlanga (1958-2011), Carlos Berlanga (1959-2002) y Fernando García-Berlanga.

    Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall. Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona, y de esta asociación surgieron algunas de las películas más célebres del cine español, además de las citadas, como La escopeta nacional.

    Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contralectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los jueves, milagro.

    Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e ingresó al año siguiente con un discurso titulado "El cine, sueño inexplicable".

    Obtuvo premios y galardones internacionales en los más importantes festivales, como Cannes, Venecia, Montreal y Berlín. En el Festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Además, poseía un incontable número de reconocimientos nacionales.

Comedia dialogada: Woody Allen.

    Heywood "Woody" Allen nació como Allan Stewart Konigsberg en el distrito de Brooklyn de Nueva York, 1 de diciembre de 1935, su familia era judía. Su infancia no fue particularmente feliz; sus padres no se llevaban bien, y él tenía una relación difícil con su madre severa y temperamental.

    Allen hablaba bastante alemán en sus primeros años.  Más tarde bromeó diciendo que cuando era joven a menudo lo enviaban a campamentos de verano interreligiosos. Mientras asistío ocho años a la ecuela y se graduó en la Escuela Secundaria Midwood en 1953. A diferencia de su personaje cómico, estaba más interesado en el béisbol que en la escuela y sus fuertes brazos aseguraban que fuera el primero en ser elegido para un equipo.​ Impresionó a los estudiantes con su extraordinario talento con los trucos cartas e ilusionismo,vulgarmente denominado magia.

   Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Pero es amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope, además le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Para ganar dinero, escribió chistes cortos para el agente David O. Alber, quien los vendió a columnistas de periódicos, también enviaba a escritores de Broadway para ver si estarían interesados en comprar alguno. A los 17 años cambió legalmente su nombre a Heywood Allen y más tarde comenzó a llamarse Woody Allen.
    
Después de la escuela secundaria, asistió a la Universidad de Nueva York, estudió comunicación y cine en 1953, antes de abandonar después de reprobar el curso "Producción cinematográfica". Estudió cine en el City College de Nueva York en 1954, pero se fue antes del final del primer semestre.​ Aprendió solo en lugar de estudiar en el aula. Enseñó en The New School y estudió con el maestro de escritura Lajos Egri.
   
    Comenzó su carrera como escritor de comedia en los años 1950, escribiendo chistes y guiones para televisión y publicando varios libros de historias cortas de humor. A principios de los años 1960, actuó como un comediante, enfatizando los monólogos en lugar de las bromas tradicionales, donde desarrolló la personalidad de un necio inseguro, intelectual y nervioso, que según él es bastante diferente de su personalidad de la vida real. En 2004, Comedy Central clasificó a Allen en el cuarto lugar de la lista de los 100 mejores comediantes, mientras que una encuesta del Reino Unido clasificó a Allen como el tercer mejor comediante.
   

    A mediados de los años 1960, Allen estaba escribiendo y dirigiendo películas, primero especializándose en comedias slapstick antes de pasar a material dramático influenciado por el cine de arte europeo durante los años 1970, y alternando entre comedias y dramas hasta el presente. A menudo se lo identifica como parte de la ola de cineastas de New Hollywood desde mediados de los años sesenta hasta finales de los setenta. Allen a menudo protagoniza sus películas, generalmente usando el personaje que desarrolló en un stand-up (stand up comedy es comedia en vivo es un estilo de comedia donde el intérprete se dirige directamente a una audiencia en vivo. Cuando se representa por un solo cómico también se llama monólogo cómico o con el genérico monólogo). 

Su estilo puede dividirse en varias etapas:

• Etapa cómica: En esta etapa crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. Están las películas como: “Toma el dinero y corre”, “Bananas”, "El dormilón”, “Sueños de un seductor” y “La última noche de Boris Grushenko”.
• Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.
• Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock. Películas como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas.Otros como “Sombras y niebla”, “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, etc.
• Etapa de madurez, donde vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. Están las películas como “Granujas de medio pelo”,  “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”, etc.

   Las películas mas conocidos son:

• Annie Hall (1977)
• Manhattan (1979)
• Hannah y sus hermanas (1986)
• Crímenes y delitos menores (1989)  
• Stardust Memories (1980)
• The Purple Rose of Cairo (1985) 
• Match Point (2005) 
• Medianoche en París (2011)

HAROLD LLOYD : Aparición de fantasmas (Haunted spooks, 1920)

 

    Haunted spooks (Aparición de fantasmas) 1920， es una película con 25 minutos de duración de Harold Lloyd. 

    Director:

    -Alfred J.Goulding

    -Hal Roach

    País:

    -Estados Unidos
     Guión:
     -H.M. Walker

     Reparto:

     -Harold Lloyd

     -Mildred Davis

     -Wallace Howe

     -Sammy Brooks

     -William Gillespie

     -Noah Young
     Productora:
     -Rolin Films
     Género
     -Comedia,cine mudo,mediometraje.

      

    Un joven sufre mal de amores. Tras ver cómo su última amada la ha plantado por otros intenta quitarse la vida de varios modos. Hasta que le encuentra un abogado que necesita urgentemente que una cliente se case para poder heredar una mansión.

FESTIVAL DE CINE 2016(Comentario de imagen)

    Análisis denotativo

    Se puede apreciar a una mujer con un casette VHS que hace referencia o reemplaza a sus ojos. Al mismo tiempo, se observa un fondo rojo que resalta la figura de la mujer siendo a su vez del mismo color que el casette haciendo que este se mezcle con el fondo.

    El título se sitúa centrado en la parte superior conformando el conjunto de elementos que forman el cartel, siendo así la información secundaria que le da sentido a la ilustración.

    Por su posición, las figuras del casette y la mujer tienen el mismo peso.

    Según el color, los tonos grises y negros dejan a la figura en una posición neutra y en segundo plano haciendo que destaque la figura del casette que a su vez se mezcla con el fondo brindándole una calidez y un contraste llamando así la atención del espectador.

    En conclusión, el color blanco que se utiliza en el casette, el cual sustituye a los ojos de la figura secundaria, hace que resalte y que nuestra mirada se dirija hacia el mismo casette ya que nos está mirando directamente.

    En el cartel se aprecian las líneas de fuerza que son las horizontales y a su vez la figura que forma un triángulo, todo ello para brindarle estabilidad y seguridad.

    El título en sí nos capta la atención ya que la figura de la mujer, que como anteriormente se ha dicho conforma un triángulo, despunta en el título. Quizá, una posibilidad podría ser que nosotros leemos de arriba a abajo y por eso lo primero que vemos es el título con la información del cartel.

    El cartel contiene un equilibrio estático ya que goza de simetría.

    La función del texto es informar al espectador acerca de a lo que se alude en el cartel.

    La figura tiene una angulación normal y está encuadrada en la parte inferior central.

    Análisis connotativo

    El casette VHS hace referencia a una película y al sustituir a los ojos de la mujer se da a entender de que se va a proyectar una película y que esta la va a ver, por lo que tiene relación con el título ya que este dice: “Festival cine Zaragoza”.

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EL SLAPSTICK: Mack Sennett (1880-1960)

     Slapstick traducido en español es "bufonada" o "payasada" o "golpe y porrazo". Tiene tres elementos principales que lo caracterizan:  la violencia física y visual llena la pantalla de golpes, caídas, rapidísimas persecuciones policiales y un sinfín de peripecias y cabriolas que buscan la hilaridad del público. La espontaneidad, aporta la improvisación de situaciones. La pantomima, hace de la exageración del gesto su máxima forma de expresión.

  Mack Sennett, nombre original Michael Sinnott, nace en el día 17 de enero de 1880 en Richmond, Québec, Canadá. Fallece el día 5 de noviembre de 1960 con 80 años.En Woodland Hills, Los Ángeles, California, Estados Unidos de América.

   Hijo de granjeros inmigrantes de origen católico irlandés.La familia vivió durante un tiempo en la ciudad de Northampton, en Massachusetts, donde según su autobiografía, tuvo la idea de trabajar en el teatro tras ver un espectáculo de vodevil. Más tarde, viviendo en Nueva York trabajó como cantante, bailarín, payaso, actor (solía representar a personajes rurales y lerdos), decorador y director para la compañía Biograph. En 1912 construyó los Estudios Keystone, fue un estudio de cine en Edendale, California, con el nombre Keystone Pictures Studio, por parte de Mack Sennett, y con el apoyo de Adam Kessel y Charles O. Baumann, dueño de . En el año 1912 se introdujo un nuevo elemento: mover la película más despacio dentro de la cámara, para así aumentar la velocidad del movimiento, consiguiendo de esta forma un efecto cómico que sería la base de toda la comedia estadounidense de persecuciones, durante la década de 1920; además, por su estudio pasó grandes artistas: Ford Sterling, Charlie Chaplin, Harry Langdon, Roscoe Arbuckle y, por supuesto, Mabel Normand. 
    
El Rey de la Comedia es un  autobiografía de Mack Sennett, una declaración de amor a su adorada Mabel. En marzo de 1938 Mack Senett fue premiado con un Óscar Honorífico.

Por su duradera contribución a la técnica de la comedia cinematográfica, cuyos principios básicos son tan importantes hoy como cuando se pusieron en práctica por primera vez, la Academia presenta un especial reconocimiento al maestro de la diversión, descubridor de estrellas, amable, comprensivo genio de la comedia, Mack Sennett.

Por su contribución a la industria cinematográfica Sennett fue recompensado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6712 de Hollywood Blvd. Además, en 2004, fue incluido en Paseo de la Fama de Canadá.

  Mack Sennet y su estudio publicó 50 peliculas mudas: