Comedia dialogada: Luis García Berlanga.

   Luis García-Berlanga Martí fue un director de cine y guionista español, nació en Valencia el 12 de junio de 1921, en una familia de terratenientes de Camporrobles,

provincia de Valencia. Su abuelo, Fidel García Berlanga (1859-1914), era miembro activo del Partido Liberal de Sagasta, a finales del siglo XIX, llegando a ser diputado en Cortes en Madrid y presidente de la diputación de Valencia. Su padre, José García-Berlanga (1886-1952), comenzó también su militancia en el Partido Liberal, para luego pasar al partido de centro derecha de Lerroux, el Partido Radical, y más tarde afiliarse al partido de centro izquierda burgués de Martínez Barrio, Unión Republicana.Los orígenes de su madre, Amparo Martí, fueron mucho más humildes, ya que venía de una familia de emigrantes de Teruel que se establecieron en Valencia. Su tío materno, Luis Martí Alegre, llegó a ser presidente de la Caja de Ahorros de Valencia.

    

    Durante su juventud se unió a la División Azul para evitar represiones políticas por el cargo de gobernador civil que su padre había desempeñado en Valencia durante la República española. En 1990, el propio Luis reconoce que se alistó pues muchos de sus amigos eran miembros jóvenes destacados de FE de las JONS. Sobre su ideología azul en aquellos años son muchos los testimonos de divisionarios que compartieron con él las trincheras en Rusia, como, por ejemplo, José Luis Amador de los Ríos.

 
    De joven, decidió estudiar Derecho y luego Filosofía y Letras, pero más tarde, en 1947, cambió su vocación e ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde realizó sus primeros cortometrajes.

   
    Fue un gran aficionado al erotismo, recabando una enorme colección de material sobre el tema (principalmente literatura) y llegó a codirigir de 1979 a 2004 en Tusquets Editores una colección literaria de esta temática que otorgaba un premio, el Premio La Sonrisa Vertical, en el que era presidente del jurado.

   Se casó en 1954 con María Jesús Manrique de Aragón (n. 1921) y fueron padres de cuatro hijos: José Luis García-Berlanga Jorge Berlanga (1958-2011), Carlos Berlanga (1959-2002) y Fernando García-Berlanga.

    Debutó como director en 1951 con la película Esa pareja feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El verdugo o Bienvenido, Mister Marshall. Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona, y de esta asociación surgieron algunas de las películas más célebres del cine español, además de las citadas, como La escopeta nacional.

    Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente contralectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los jueves, milagro.

    Su película Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Cinematografía, en 1981 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, en 1986 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 el Goya al mejor director por su película Todos a la cárcel. El 25 de abril de 1988 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e ingresó al año siguiente con un discurso titulado "El cine, sueño inexplicable".

    Obtuvo premios y galardones internacionales en los más importantes festivales, como Cannes, Venecia, Montreal y Berlín. En el Festival de Karlovy Vary fue elegido como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo. Además, poseía un incontable número de reconocimientos nacionales.

Comedia dialogada: Woody Allen.

    Heywood "Woody" Allen nació como Allan Stewart Konigsberg en el distrito de Brooklyn de Nueva York, 1 de diciembre de 1935, su familia era judía. Su infancia no fue particularmente feliz; sus padres no se llevaban bien, y él tenía una relación difícil con su madre severa y temperamental.

    Allen hablaba bastante alemán en sus primeros años.  Más tarde bromeó diciendo que cuando era joven a menudo lo enviaban a campamentos de verano interreligiosos. Mientras asistío ocho años a la ecuela y se graduó en la Escuela Secundaria Midwood en 1953. A diferencia de su personaje cómico, estaba más interesado en el béisbol que en la escuela y sus fuertes brazos aseguraban que fuera el primero en ser elegido para un equipo.​ Impresionó a los estudiantes con su extraordinario talento con los trucos cartas e ilusionismo,vulgarmente denominado magia.

   Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Pero es amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope, además le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Para ganar dinero, escribió chistes cortos para el agente David O. Alber, quien los vendió a columnistas de periódicos, también enviaba a escritores de Broadway para ver si estarían interesados en comprar alguno. A los 17 años cambió legalmente su nombre a Heywood Allen y más tarde comenzó a llamarse Woody Allen.
    
Después de la escuela secundaria, asistió a la Universidad de Nueva York, estudió comunicación y cine en 1953, antes de abandonar después de reprobar el curso "Producción cinematográfica". Estudió cine en el City College de Nueva York en 1954, pero se fue antes del final del primer semestre.​ Aprendió solo en lugar de estudiar en el aula. Enseñó en The New School y estudió con el maestro de escritura Lajos Egri.
   
    Comenzó su carrera como escritor de comedia en los años 1950, escribiendo chistes y guiones para televisión y publicando varios libros de historias cortas de humor. A principios de los años 1960, actuó como un comediante, enfatizando los monólogos en lugar de las bromas tradicionales, donde desarrolló la personalidad de un necio inseguro, intelectual y nervioso, que según él es bastante diferente de su personalidad de la vida real. En 2004, Comedy Central clasificó a Allen en el cuarto lugar de la lista de los 100 mejores comediantes, mientras que una encuesta del Reino Unido clasificó a Allen como el tercer mejor comediante.
   

    A mediados de los años 1960, Allen estaba escribiendo y dirigiendo películas, primero especializándose en comedias slapstick antes de pasar a material dramático influenciado por el cine de arte europeo durante los años 1970, y alternando entre comedias y dramas hasta el presente. A menudo se lo identifica como parte de la ola de cineastas de New Hollywood desde mediados de los años sesenta hasta finales de los setenta. Allen a menudo protagoniza sus películas, generalmente usando el personaje que desarrolló en un stand-up (stand up comedy es comedia en vivo es un estilo de comedia donde el intérprete se dirige directamente a una audiencia en vivo. Cuando se representa por un solo cómico también se llama monólogo cómico o con el genérico monólogo). 

Su estilo puede dividirse en varias etapas:

• Etapa cómica: En esta etapa crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. Están las películas como: “Toma el dinero y corre”, “Bananas”, "El dormilón”, “Sueños de un seductor” y “La última noche de Boris Grushenko”.
• Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.
• Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock. Películas como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas.Otros como “Sombras y niebla”, “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, etc.
• Etapa de madurez, donde vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. Están las películas como “Granujas de medio pelo”,  “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”, etc.

   Las películas mas conocidos son:

• Annie Hall (1977)
• Manhattan (1979)
• Hannah y sus hermanas (1986)
• Crímenes y delitos menores (1989)  
• Stardust Memories (1980)
• The Purple Rose of Cairo (1985) 
• Match Point (2005) 
• Medianoche en París (2011)

HAROLD LLOYD : Aparición de fantasmas (Haunted spooks, 1920)

 

    Haunted spooks (Aparición de fantasmas) 1920， es una película con 25 minutos de duración de Harold Lloyd. 

    Director:

    -Alfred J.Goulding

    -Hal Roach

    País:

    -Estados Unidos
     Guión:
     -H.M. Walker

     Reparto:

     -Harold Lloyd

     -Mildred Davis

     -Wallace Howe

     -Sammy Brooks

     -William Gillespie

     -Noah Young
     Productora:
     -Rolin Films
     Género
     -Comedia,cine mudo,mediometraje.

      

    Un joven sufre mal de amores. Tras ver cómo su última amada la ha plantado por otros intenta quitarse la vida de varios modos. Hasta que le encuentra un abogado que necesita urgentemente que una cliente se case para poder heredar una mansión.

FESTIVAL DE CINE 2016(Comentario de imagen)

    Análisis denotativo

    Se puede apreciar a una mujer con un casette VHS que hace referencia o reemplaza a sus ojos. Al mismo tiempo, se observa un fondo rojo que resalta la figura de la mujer siendo a su vez del mismo color que el casette haciendo que este se mezcle con el fondo.

    El título se sitúa centrado en la parte superior conformando el conjunto de elementos que forman el cartel, siendo así la información secundaria que le da sentido a la ilustración.

    Por su posición, las figuras del casette y la mujer tienen el mismo peso.

    Según el color, los tonos grises y negros dejan a la figura en una posición neutra y en segundo plano haciendo que destaque la figura del casette que a su vez se mezcla con el fondo brindándole una calidez y un contraste llamando así la atención del espectador.

    En conclusión, el color blanco que se utiliza en el casette, el cual sustituye a los ojos de la figura secundaria, hace que resalte y que nuestra mirada se dirija hacia el mismo casette ya que nos está mirando directamente.

    En el cartel se aprecian las líneas de fuerza que son las horizontales y a su vez la figura que forma un triángulo, todo ello para brindarle estabilidad y seguridad.

    El título en sí nos capta la atención ya que la figura de la mujer, que como anteriormente se ha dicho conforma un triángulo, despunta en el título. Quizá, una posibilidad podría ser que nosotros leemos de arriba a abajo y por eso lo primero que vemos es el título con la información del cartel.

    El cartel contiene un equilibrio estático ya que goza de simetría.

    La función del texto es informar al espectador acerca de a lo que se alude en el cartel.

    La figura tiene una angulación normal y está encuadrada en la parte inferior central.

    Análisis connotativo

    El casette VHS hace referencia a una película y al sustituir a los ojos de la mujer se da a entender de que se va a proyectar una película y que esta la va a ver, por lo que tiene relación con el título ya que este dice: “Festival cine Zaragoza”.

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